Introducción al diseño
El Diseño Industrial es una actividad proyectual que, de manera interdisciplinar, establece las relaciones entre el ser humano, el contexto y los sistemas de producto, considerando -dentro de este proceso- el compromiso y responsabilidad social que ello demanda. La carrera ha evolucionado hacia la formación integral del diseñador industrial como visionario capaz de gestar, organizar y liderar proyectos de diseño, para que contribuyan a mejorar la calidad de vida de la comunidad a la que sirve.
Colombia
Linea cronológica de el diseño industrial en Colombia
1966 Guillermo Sicard Montejo organizo y dicto el primer curso universitario de Diseño Industrial en Colombia en la Universidad Nacional, profesores: Jaime Gutiérrez Lega Y Daniel Obregón.
1968 Jaime Gutiérrez lega es contratado para diseñar el sistema peregrino para albergar turistas y las primeras cabinas telefónicas para la Empresa de Teléfonos de Bogotá.
1972 Se funda la facultad de Diseño Industrial en la Universidad Pontificia Bolivariana
1974 Creación de la Facultad de Diseño Industrial en la Universidad Jorge Tadeo Lozano gestión del magister del año anterior, Decano" Giulio Vinaccia. Egresados de postgrados y dos profesores alemanes: Ingo werk y Gerd Schussler son algunos de los docentes de la facultad que se forma bajo un esquema rígido
1976 Se inicia en Lieja Bélgica un entrenamiento para docentes colombianos que posteriormente se vincularan a diversos centros de enseñanza.
1977 se inicia la carrera de diseño industrial en la Universidad Javeriana en Bogotá con 37 alumnos bajo la dirección de Rómulo Polo Flores.
1985 Colciencias contrata la elaboración de un Plan Nacional de Diseño.
1986 El Museo de Arte Moderno de Medellín realiza una muestra Nacional de Diseño industrial y gráfico
1987 El Museo de Arte Moderno de Bogotá exhibe una retrospectiva del trabajo de Jaime Gutiérrez Lega, pionero del diseño industrial en Colombia desde los años 50.
1987 Corferias y la Prodiseño organizan la primera feria bianual de Expodiseño en Bogotá, con el apoyo de la ACD.
1989 Durante la Feria Expodiseño, Prodiseño y la ACD lanzan el libro Diseño en Colombia que registra diseñadores destacados del momento.
1987 Corferias y la Prodiseño organizan la primera feria bianual de Expodiseño en Bogotá, con el apoyo de la ACD.
1989 Durante la Feria Expodiseño, Prodiseño y la ACD lanzan el libro Diseño en Colombia que registra diseñadores destacados del momento.
1991 La facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad Javeriana organiza Diseño en Concierto.
1995 Se lanza proyecto diseño, primera revista colombiana dirigida netamente al mercado del diseño.
1998 Inician clases de Diseño Industrial en ICESI Cali y en la Universidad Nacional de Palmira, completándose 15 programas profesionales de esta carrera en el país.
1998 proyecto diseño lanza la primera edición del Lápiz de Acero, concurso que destaca anualmente lo mejor del diseño colombiano.
- Jaime Gutierrez Lega
Estudios:
Estudios pre-grado:
Arte aplicado en Chowinart Institute L.A
Estudios de posgrado:
Diseño de interiores en Belmonth Adult School
Ingenieria del mueble en el instituto tecnico en Lahty-Finlandia
entre sus reconocimientos se encuentran condecoraciones de distintas universidades así como el lápiz de acero premio otorgado al mejor diseñador industrial de el año en Colombia por diseños como la "silla de ovejo" y por su amplio conocimiento dentro de el ámbito inmobiliario .
conocido también por su gusto por coleccionar objetos antiguos y extraños hallados en territorio colombiano
"No hay que dejarse influenciar por la moda por que se pierde el criterio "
- Romulo Polo Florez
Nace en Bogota (1945)
Estudios:
Estudios de pre-grado:
Arquitectura en la universidad Nacional (se retiro en 1968)
Estudios de Posgrado:
Diseño de muebles en EU
se dedico a viajar por Colombia recopilando y dando crédito a las artesanías donde finalmente termino dedicandose de lleno al diseño y dejando de lado la arquitectura
vinculado a la javeriana para dictar taller de diseño básico , al mismo tiempo que trabajaba en su taller y de medio tiempo en el ministerio de hacienda
viajo a Boston a estudiar diseño básico
- Giulio Vinaccia
Estudios de pre-grado:
Arquitecto.
Primer director del instituto superior de Diseño de proyectos para la industria. en la Universidad Jorge Tadeo Lozano (1973)
En 1973 dirigió la creación del Magister en Diseño Industrial, para ingenieros civiles e industriales como parte del instituto superior de Diseño y proyectos para la industria de la misma universidad.
En 1976 un grupo de notables, constituido por los arquitectos Guillermo Sicard y Giulio Vinaccia, el diseñador Jaime Guiterrez y por el ingeniero Fernando Pineda adelanta una de las primeras revisiones del programa.
Hernan Lozano Castañeda:
Estudios de Pre-grado:
Arquitectura Universidad nacional (1965-1966)
Estudios de Posgrado:
Diseño en Export Promotion En School of Economics- Hensinki
Departamento Diseño Artesanias de Colombia
Profesor y director de Departamento de diseño Pontificia Universidad Javeriana y profesor en Universidad Jorge Tadeo Lozano.
Fue el director de departamento de diseño industrial.
Realizo estudios de arquitectura en la universidad Nacional y en la gran Colombia y diseño en los Andes.
Dicto talleres de teoria del diseño y la expresión gráfica en la Javeriana durante ocho años desde la fundación de la carrera.
Guillermo Sicard Montejo:
Estudios de pre-grado:
Arquitecto Universidad Nacional
Estudios de posgrado:
Curso superior en diseño industrial, instituto estatal de Arte en Florido (
Asignatura opcional de diseño industrial en arquitectura UNAL (1966)
Coautor de la carrera en UNAL (1977)
Gestor y fundador de la carrera de diseño Industrial en la Universidad Nacional.
Luis Carlos Lega:
Posgrado:
Diseño Industrial, posgrado Université Du Saint Tilman, Liege - Belgica
Arquitectura y diseño industrial
Curso de Arquitectura ambiental, Universidad de los Andes.
Fue arquitecto de la Universidad Javeriana con Maestria en Diseño Industrial en Belgica.
Es fundador de la asociación Colombiana de diseñadores, fue decano de Diseño Industrial en la Jorge Tadeo Lozano y profesor de Arquitectura en La Universidad Javeriana.
Harry Williamson Child
- Diego Obregon
 |
Hijo de Alejandro Obregon , diseñador indsutrial con pregrado en inglaterra , muerto en 2014 , diseñador de mobiliario trabajo en varias empresas y finalmente paso sus ultimos dias en su propio negocio
- Mauricio Olarte
Diseñador industrial graduado de Pratt Institute en Estados Unidos
Principalemente fabrico mobiliario para oficinas y restaurantes
Las sillas fabricadas por la empresa colombiana Series Seating están en aeropuertos, iglesias, teatros, auditorios y estadios de varios países.
Mauricio Olarte es uno de los pioneros del diseño industrial en Colombia. Hace 30 años comenzó a fabricar sillas para oficinas y para las zonas de comidas . Hoy Series Seating se han convertido en todo un modelo innovador y exportador. La empresa abrió sus puertas en Bogotá en 1983, pero pronto se trasladó al municipio de Chía donde hoy está la planta de producción en la que trabajan 200 personas.
La acogida que tuvieron las primeras sillas fabricadas por Series Seating fue abriendo el camino para innovar en otros estilos. Es así como ingresó al segmento de las salas de cine y esta experiencia fue el punto de partida para cruzar las fronteras. Al mercado estadounidense llegó en 2000 con el ánimo de expandir la empresa, buscar nuevos clientes y sacudirse de la crisis económica por la que atravesaba Colombia desde finales de los noventa.
Trece años después, Series Seating exporta el 70 por ciento de su producción, principalmente a Estados Unidos. Allí participa del 30 por ciento del segmento de sillas para iglesias y 20 por ciento en auditorios de artes escénicas. En este último campo se ha ganado una reputación que confirman sus clientes: La Ópera de Miami; el Auditorio Guthrie on The River en Minneapolis; y Winspear Opera House en Dallas Texas.
También ha incursionado en los mercados de Tailandia, Australia, Canadá, Chile, Panamá, Ecuador, Guatemala, y China. Al gigante asiático Series Seating ingresó por la puerta grande. Sus sillas llegaron a Macao (conocida como la ciudad de los sueños) al proyecto The House of Dancing Water, un gigantesco complejo de entretenimiento. En Brasil acaban de vender 1.000 sillas para la zona VIP del estadio de Gremio en Porto Alegre, a ser inaugurado en diciembre de este año.
Mauricio Olarte, su presidente, dice que llegar a estos públicos ha sido posible, porque “tenemos la capacidad de entender las diferentes culturas y poder ofrecer un producto que satisfaga plenamente las necesidades de los compradores”. El futuro está cargado de sueños. La meta es ampliar la planta de producción hasta duplicar su tamaño actual, y comprar moderna maquinaria. Por lo pronto, Series Seating sigue innovando desde Chía. Su último diseño es una mesa para zurdos y diestros. El espíritu con el que comenzó labores hace tres décadas se mantiene.
tomado de http://www.semana.com/100-empresas/articulo/made-in-chia/342894-3
- Jesus Gamez Orduz
| Universidad | Título | Tipo de registro | Departamento | Ciudad | Tipo de Universidad | Código SINES | |
|---|---|---|---|---|---|---|---|
 | UNIVERSIDAD PONTIFICIA BOLIVARIANA | Diseño Industrial | Acreditacion de Alta Calidad | Antioquia | Medellín | Privada | 1179 |
 | UNIVERSIDAD ANTONIO NARIÑO | Diseño Industrial | Registro Calificado | Antioquia | Medellín | Privada | 54259 |
| INSTITUTO TECNOLOGICO METROPOLITANO/ No implimentado | Ingeniería en Diseño Industrial | Registro Calificado | Antioquia | Medellín | Privada | 52272 | |
 | UNIVERSIDAD DE SAN BUENAVENTURA | Diseño Industrial | Registro Calificado | Antioquia | Medellín | Privada | 15569 |
 | UNIVERSIDAD EAFIT | Ingeniería de diseño de producto | Registro Calificado | Antioquia | Medellín | Privada | 7446 |
 | UNIVERSIDAD DEL NORTE | Diseño Industrial | Registro Calificado | Atlántico | Barranquilla | Privada | 20477 |
 | UNIVERSIDAD EL BOSQUE | Diseño Industrial | Registro Calificado | Bogotá D.C | Bogota D.C | Privada | 15555 |
 | PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA | Diseño Industrial | Acreditacion de Alta Calidad | Bogotá D.C | Bogota D.C | Privada | 925 |
 | UNIVERSIDAD ANTONIO NARIÑO | Diseño Industrial | Registro Calificado | Bogotá D.C | Bogota D.C | Privada | 2888 |
 | UNIVERSIDAD DE BOGOTA JORGE TADEO LOZANO | Diseño Industrial | Registro Calificado | Bogotá D.C | Bogota D.C | Privada | 1144 |
 | POLITECNICO GRANCOLOMBIANO | Diseño Industrial | Registro Calificado | Bogotá D.C | Bogota D.C | Privada | 101525 |
| UNIVERSIDAD SERGIO ARBOLEDA/ No implimentado | Diseño Industrial | Registro Calificado | Bogotá D.C | Bogota D.C | Privada | 52794 | |
 | UNIVERSIDAD NACIONAL DE COLOMBIA | Diseño Industrial | Acreditacion de Alta Calidad | Bogotá D.C | Bogota D.C | Pública | 5 |
 | FUNDACION UNIVERSIDAD AUTONOMA DE COLOMBIA | Diseño Industrial | Registro Calificado | Bogotá D.C | Bogota D.C | Privada | 3568 |
 | UNIVERSIDAD DE LOS ANDES | Diseño | Registro Calificado | Bogotá D.C | Bogota D.C | Privada | 2531 |
 | UNIVERSIDAD PEDAGOGICA Y TECNOLOGICA DE COLOMBIA | Diseño Industrial | Registro Calificado | Boyacá | Duitama | Pública | 3778 |
 | UNIVERSIDAD AUTONOMA DE MANIZALES | Diseño Industrial | Acreditacion de Alta Calidad | Caldas | Manizales | Privada | 1914 |
| UNIVERSIDAD DE NARIÑO | Diseño Industrial | Registro Calificado | Nariño | Pasto | Pública | 4095 | |
| UNIVERSIDAD DE PAMPLONA | Diseño Industrial | Registro Calificado | Norte de Santander | Pamplona | Pública | 51736 | |
| UNIVERSIDAD CATOLICA DE PEREIRA | Diseño Industrial | Registro Calificado | Risaralda | Pereira | Privada | 2671 | |
| CORPORACION UNIVERSITARIA DE INVESTIGACION Y DESARROLLO | Diseño Industrial | Registro Calificado | Santander | Bucaramanga | Privada | 90379 | |
| UNIVERSIDAD INDUSTRIAL DE SANTANDER | Diseño Industrial | Registro Calificado | Santander | Bucaramanga | Pública | 684 | |
| UNIVERSIDAD DE IBAGUE | Diseño Industrial | Registro Calificado | Tolima | Ibagué | Privada | 52571 | |
| UNIVERSIDAD DEL VALLE | Diseño Industrial | Registro Calificado | Valle del Cauca | Cali | Pública | 5319 | |
| UNIVERSIDAD ANTONIO NARIÑO | Diseño Industrial | Registro Calificado | Valle del Cauca | Cali | Privada | 54007 | |
| INSTITUTO DEPARTAMENTAL DE BELLAS ARTES/ No implimentado | Diseño Industrial | N/A | Valle del Cauca | Cali | Privada | 12137 | |
| UNIVERSIDAD NACIONAL DE COLOMBIA | Diseño Industrial | Acreditacion de Alta Calidad | Valle del Cauca | Palmira | Pública | 16903 | |
| UNIVERSIDAD ICESI | Diseño Industrial | Acreditacion de Alta Calidad | Valle del Cauca | Cali | Privada | 4343 |
http://printcolombino.4mg.com/diseoindustrialcolombiaprogramas.htm
Universidad Jorge Tadeo Lozano
1973
- Proceso dirigido por el arquitecto Giulio Vinaccia—la creación del Magíster en Diseño Industrial para arquitectos, ingenieros civiles e industriales, como parte del Instituto Superior de Diseño y Proyectos para la Industria I.D.I de la misma Universidad.
1974-1978
- El arquitecto Giulio Vinaccia fue nombrado primer decano de diseño industrial.
- 1976, un grupo de notables, constituido por los arquitectos Guillermo Sicard Montejo y Giulio Vinaccia, por el diseñador Jaime Gutiérrez Lega y por el ingeniero Fernando Pineda, adelanta una de las primeras revisiones del programa.
- Modelo de Bonsiepe estilo Tadeista: design management y professional practice.
- 1976, un grupo de notables, constituido por los arquitectos Guillermo Sicard Montejo y Giulio Vinaccia, por el diseñador Jaime Gutiérrez Lega y por el ingeniero Fernando Pineda, adelanta una de las primeras revisiones del programa.
- Modelo de Bonsiepe estilo Tadeista: design management y professional practice.
Busca que estudiantes, profesores, egresados, administrativos, empresarios y otros interactúen en torno a realidades locales, regionales, nacionales o internacionales, para aportar al desarrollo del paísdesde la cultura material, el fortalecimiento de las relaciones humanas y la innovación sobre el uso de las tecnologías, integradas al concepto de proyecto.
Pontifica Universidad Javeriana
1977 se inicia la carrera de diseño industrial en la Universidad Javeriana en Bogotá con 37 alumnos bajo la dirección de Rómulo Polo Flores.
El Diseño Industrial es una actividad proyectual que, de manera interdisciplinar, establece las relaciones entre el ser humano, el contexto y los sistemas de producto, considerando -dentro de este proceso- el compromiso y responsabilidad social que ello demanda. La carrera ha evolucionado hacia la formación integral del diseñador industrial como visionario capaz de gestar, organizar y liderar proyectos de diseño, para que contribuyan a mejorar la calidad de vida de la comunidad a la que sirve.
El plan de estudios y sus componentes, permiten una formación centrada en la diversidad, la autonomía del ser humano, la responsabilidad social, el desarrollo del espíritu crítico y reflexivo, en un contexto local y global
Universidad Nacional
El programa de Diseño Industrial de la Universidad Nacional de Colombia – Sede Bogotá, gira en torno a tres ejes que se encuentran en el componente de Formación Disciplinar: Tecnología, Práctica de Diseño y Cultura, dichos ejes están conformados por diferentes materias que complementan el proceso de formación, las aptitudes y la interdisciplinariedad del estudiante.
Se ofrece materias de Fundamentación en las Artes, así como los niveles del idioma inglés que debe aprobar el estudiante . EL estudiante debe cursar materias que se denominan de Libre Elección que pueden ser dentro o fuera de la facultad de Artes.
tomado de http://aplicaciones.virtual.unal.edu.co/blogs/disenoindustrial/plan-de-estudios/
Universidad Pontificia Bolivariana
El Diseño Industrial es una actividad creativa cuyo fin es establecer las multifacéticos cualidades de los objetos, los procesos, los servicios y los sistemas en todos sus ciclos de vida. Por tanto, el diseño es el factor central de la innovadora humanización de las tecnologías y un factor crucial de intercambio cultural y económico.
tomado de http://www.upb.edu.co/portal/page?_pageid=1054%2C31529586&_dad=portal
UIS Santander
A partir del año 1980, el programa de Delineante en Arquitectura e Ingeniería, vendría a ofrecerse bajo el nombre de “Tecnología en Dibujo Arquitectónico y de Ingeniería”
A finales de 1983 el Consejo Académico UIS recomienda la creación de la Carrera de Diseño Industrial, al aprobar el estudio de factibilidad y currículo académico presentado por los arquitectos LUIS EDUARDO OSPINA y JULIO CÉSAR PINILLOS. Es entonces cuando se decide la culminación del programa tecnológico de Dibujo Arquitectónico y de igual manera se cambia el nombre de Departamento de Diseño, por Departamento de Diseño y Análisis Gráfico. En este mismo año se crea la Escuela de Diseño Industrial adscrita a la Escuela de Ciencias Físico-Mecánicas.
obejtivo pedagogico
El programa de Diseño Industrial de la Universidad Industrial de Santander tiene como misión:
“Educar integralmente personas en los aspectos curriculares del diseño industrial, que contribuyan al desarrollo sociocultural y económico de manera sostenible; competentes en proyectar, configurar y desarrollar objetos con calidad estética y funcional”. La Escuela de Diseño se proyecta a corto plazo como una organización académica que consolidará grupos de investigación, propenderá por la excelencia académica, fortalecerá su articulación con sectores productivos y comunidades académicas; a mediano plazo creará programas en posgrado y a largo plazo programas en pregrado.
A partir del año 1980, el programa de Delineante en Arquitectura e Ingeniería, vendría a ofrecerse bajo el nombre de “Tecnología en Dibujo Arquitectónico y de Ingeniería”
A finales de 1983 el Consejo Académico UIS recomienda la creación de la Carrera de Diseño Industrial, al aprobar el estudio de factibilidad y currículo académico presentado por los arquitectos LUIS EDUARDO OSPINA y JULIO CÉSAR PINILLOS. Es entonces cuando se decide la culminación del programa tecnológico de Dibujo Arquitectónico y de igual manera se cambia el nombre de Departamento de Diseño, por Departamento de Diseño y Análisis Gráfico. En este mismo año se crea la Escuela de Diseño Industrial adscrita a la Escuela de Ciencias Físico-Mecánicas.
“Educar integralmente personas en los aspectos curriculares del diseño industrial, que contribuyan al desarrollo sociocultural y económico de manera sostenible; competentes en proyectar, configurar y desarrollar objetos con calidad estética y funcional”.
https://www.uis.edu.co/webUIS/es/academia/facultades/fisicoMecanicas/escuelas/disenoIndustrial/presentacion.jsp
El Diseñador Industrial de la UAM® reconoce los procesos, productos y sistemas productivos, desde una concepción antropocéntrica. Domina los métodos, los procedimientos y las estrategias racionales y creativas para generar innovación y desarrollo industrial. Es un profesional que comprende el ciclo: Producción – Promoción – Distribución – Consumo y Retiro de productos y/o sistemas productivos en el marco de la problemática cultural que suscita su circulación en diversos entornos.
personas motivadas por la creación y la expresión propia de la configuración en el diseño, típica mente, de producto. Motivadas por la integración de conocimientos de diversas índoles, como son las áreas artísticas y de sensibilidad estética, basadas en las ciencias sociales, contrastadas con las propias del ámbito de las áreas técnico productivas basadas en las ciencias básicas. Personas interesadas en aportar a la calidad de vida de los seres humanos mediante la actividad proyectual propia del acto de diseñar donde se requieren habilidades para en razonamiento espacial, para el dibujo y el pensamiento creativo.
tomado de http://www.autonoma.edu.co/oferta-academica/pregrados/diseno-industrial
Universidad Autónoma de Colombia
Objetivo Pedagogico
Preparar diseñadores que integren los conocimientos y habilidades que proporcionan el estudio de la estética, la ciencia, la tecnología y la compresión de los contextos social, humano y ambiental, para ponerlos al servicio de los procesos industriales del país.
Ser reconocidos, tanto en el ámbito académico como productivo nacional e internacional, como un programa de alta calidad, gracias a su acreditación y a su valorado prestigio en el desarrollo de actividades académicas de investigación, de servicio a la comunidad y a su alta inserción laboral.
OBJETIVOS
Hacer del pensamiento creativo, el argumento de la tecnología, la vida cotidiana y las organizaciones.
tomado de http://www.fuac.edu.co/?mod=92
Universidad del Bosque
El Programa de Diseño Industrial apunta a responder activamente al mercado y a guiar al estudiante en un proceso de descubrimiento de sus fortalezas como profesional.
El análisis y desarrollo creativo desde el diseño industrial se basa en la construcción de cimientos técnicos y teóricos; la generación de espacios de profesionalización y profundización; desarrollando también habilidades para el mercado laboral.
El Diseñador Industrial de la Universidad El Bosque estará en capacidad optimizar funciones, valor, apariencia, pertinencia y capacidad comunicativa de objetos, productos o sistemas industriales. Este proceso de mejoramiento tendrá en cuenta el beneficio de usuarios, fabricantes y demás instancias que intervienen en el proceso de diseño.
Con las habilidades necesarias para trabajar en el sector público y privado, el Diseñador Industrial de la Universidad El Bosque podrá responder a las exigencias que se le presenten desde la estética, la comunicabilidad, la composición, la capacidad proyectiva, la tecnología, las condiciones de mercado y distribución, la exhibición, los empaques, y el impacto ambiental.
El Programa de Diseño Industrial apunta a responder activamente al mercado y a guiar al estudiante en un proceso de descubrimiento de sus fortalezas como profesional.
El análisis y desarrollo creativo desde el diseño industrial se basa en la construcción de cimientos técnicos y teóricos; la generación de espacios de profesionalización y profundización; desarrollando también habilidades para el mercado laboral.
El Diseñador Industrial de la Universidad El Bosque estará en capacidad optimizar funciones, valor, apariencia, pertinencia y capacidad comunicativa de objetos, productos o sistemas industriales. Este proceso de mejoramiento tendrá en cuenta el beneficio de usuarios, fabricantes y demás instancias que intervienen en el proceso de diseño.
tomado de http://www.uelbosque.edu.co/programas_academicos/pregrado/diseno
Universidad de los Andes
Cuenta con estudiantes que, en un ambiente de formación integral, interdisciplinario y flexible, son el principal agente de su proceso educativo. Facilita que su cuerpo profesoral, altamente capacitado, desarrolle un proyecto de vida académica y profesional sobresaliente, para lo cual apoya una actividad investigativa que contribuye al desarrollo del país y a su proyección internacional.
tomado de http://www.uniandes.edu.co
Universidad Antonio Nariño
-
La Facultad ofrece adicional a las asignaturas propuestas en los planes de estudio de cada carrera, la posibilidad de desarrollar consultoría en el área de Arquitectura, Diseño Gráfico, Diseño Industrial y Música. Esto es, desde acompañamiento en el desarrollo de proyectos arquitectónicos hasta desarrollos de planes de ordenamiento territorial, incluyendo consultoría en procesos proyectuales. Por otra parte se logra el desarrollo de prototipos e imagen, así como la elaboración de obras musicales.
En este contexto es claro que la Universidad a través de la Facultad presenta una amplia gama de posibilidades en el acompañamiento a proyectos especiales que por sus características no generan competencia con el desempeño profesional de sus egresados.
La Facultad ofrece adicional a las asignaturas propuestas en los planes de estudio de cada carrera, la posibilidad de desarrollar consultoría en el área de Arquitectura, Diseño Gráfico, Diseño Industrial y Música. Esto es, desde acompañamiento en el desarrollo de proyectos arquitectónicos hasta desarrollos de planes de ordenamiento territorial, incluyendo consultoría en procesos proyectuales. Por otra parte se logra el desarrollo de prototipos e imagen, así como la elaboración de obras musicales.
En este contexto es claro que la Universidad a través de la Facultad presenta una amplia gama de posibilidades en el acompañamiento a proyectos especiales que por sus características no generan competencia con el desempeño profesional de sus egresados.
-
tomado de http://www.uan.edu.co/diseno-industrial
tomado de http://www.uan.edu.co/diseno-industrial
Universidad De Nariño
Objetivo Pedagogico
El Diseñador Industrial de la Universidad de Nariño será un profesional capacitado para aplicar su formación artística, científica y humanística en la investigación, comprensión y solución de necesidades individuales y colectivas mediante procesos productivos y productos, competitivos en el mercado nacional e internacional manteniendo el sentido de la identidad cultural.
tomado de http://pregrado.udenar.edu.co/?p=63
Universidad del Cauca
Universidad Católica de Pereira
EAFIT
Universidad Santo Tomas
Universidad de San Buenaventura
Universidad ICESI
Universidad Nacional Palmira
Universidad De Pamplona
Argentina
Ricardo Blanco
Es un reconocido arquitecto y diseñador industrial argentino. En su carrera ha alcanzado un protagonismo tal, que lo ha llevado a proyectarse internacionalmente como uno de los principales referentes del diseño argentino. Es famoso por sus diseños de mobiliario, particularmente, ha creado una innumerable cantidad de sillas y sillones, todas con un diseño innovador y transgresor. Se recibió de arquitecto en 1967 en la Universidad de Buenos Aires. Al año siguiente comenzó su labor profesional en la firma Stilka. Allí pudo desarrollar productos en base a tecnologías no convencionales como el laminado en madera.
En 1972 tras su alejamiento de esta empresa, fundó EH (Equipamiento de Hoy) junto a otros dos arquitectos. Desde ese momento también comenzó a realizar trabajos en forma independiente para Lañin, una empresa fabricante de sillas tradicionales en madera. Luego Indumar, le permitió realizar más de cien diseños de sillas y sillones, algunos con carácter experimental, como la silla plegable Plaka y el sillón Skel. Con estos desarrollos, la empresa pudo posicionarse mejor en el mercado. Durante varios años continuó trabajando en el desarrollo de equipamientos para varias empresas del medio como Zbar y Venier.
En 1982 fue distinguido por el CAyC (Centro de Arte y COmunicación) con el Premio Lápiz de Plata al Diseñador de Muebles. En 1983 funda Visiva junto a los diseñadores Hugo Kogan y Reinaldo Leiro, una empresa que produjo muebles únicos. En esta oportunidad, produjo diseños de alto contenido estético, emparentado con la corriente del nuevo diseño milanés y el Grupo Memphis. En 1992 diseñó el conjunto de mobiliario para la Biblioteca Nacional, en Buenos Aires.
Durante su carrera no sólo ha diseñado mobiliario, también trabajó para empresas de electrodomésticos, produciendo línea blanca, teléfonos y un brazo robótico para producción. También realizó el diseño de un tren y un pre-metro para Materfer en Córdoba, Argentina y cruceros particulares para el astillero Río Dulce.
Desde 1968 se ha dedicado ininterrumpidamente a la docencia del diseño industrial en las universidades de La Plata, Mendoza, Buenos Aires y esporádicamente en Córdoba, Chaco y San Juan. Desde 1986 es director y docente de la carrera de diseño industrial en la UBA. Es autor de los libros Cinco enfoques sobre el hábitat y Sillopatía. Además es autor de numerosos artículos publicados en revistas nacionales y extranjeras. Sus conferencias y escritos brindan importantes aportes para la definición del rol del diseño y del diseñador en el mundo actual.
Hugo Kogan
es un diseñador industrial argentino. Es uno de los referentes más influyentes del diseño argentino y sudamericano, por su labor internacional y como creador e impulsor de la profesión de diseñador en la Argentina. Uno de sus trabajos más conocidos, es quizá, el invento del Magiclick, por el cual obtuvo gran reconocimiento.
De joven fue escultor, hizo la escuela industrial y cursó los estudios de arquitectura por dos años, vertientes que le sirvieron para unir la técnica con su afán por las formas. Kogan diseñó y desarrolló más de un centenar de productos: bienes de capital, máquinas textiles industriales y familiares, equipamiento urbano, electrónica de entretenimiento, hardware, equipos de electromedicina, grandes y pequeños electrodomésticos y sistemas de equipamiento bancario y ferroviario.
Recibió tres veces el Diploma al Mérito de los Premios Konex como uno de los mejores diseñadores industriales de la década en cada ocasión .
En 1963 Kogan inventó el Magiclick, su éxito y gran obra que desarrolló mientras se desempeñaba como director del departamento de diseño de la empresa en Aurora. El producto nació gracias a la experimentación con piezoeléctricos, que en la época eran novedosos. Durante esas experimentaciones surgió la idea de convertirlo en un artefacto manual, de uso popular. Cuando la empresa decidió lanzar el producto, proyectó vender 5.000 unidades por mes, pero el éxito fue tal que terminaron haciéndose pedidos por 80.000 unidades por mes. Gracias al éxito del producto, Aurora montó fábricas en Brasil y España para producirlo.
Chile
Fernando Mayer
Diseñador de Fernando Mayer
Algo para apuntar acerca de su información es el excelente aitio web de su empresa Mobiliario
Oficina
Lounge
Recepciones
Oficinas
Brasil
Joaquim Ferreiro
Lina Bo Bardi
Lina Bo Bardi - Nacida Achillina Bo (Roma - Italia, 5 de diciembre de 1914 — São Paulo - Brasil, 20 de marzo de 1992) fue una arquitecta moderna italo-brasileña. ina estudió en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Roma durante la década de 1930. Tras graduarse se traslada a Milán, donde trabaja para Giò Ponti, editor de la revista Quaderni di Domus, de la cual llegará a ser editora. Ya poseedora de cierta notoriedad, establece su propio estudio. Durante la II Guerra Mundial, enfrenta un período de pocos encargos, y su estudio resultaría destruido en 1943 tras un bombardeo aéreo. Conoce a Bruno Zevi, con quién funda la publicación semanal A Cultura della Vita. Lina, en ese período, participa de la resistencia a la ocupación alemana como miembro del Partido Comunista Italiano tallo
En 1946, tras la guerra, se casa con el periodista Pietro Maria Bardi, con el cual deciden emigrar a Brasil, país del cual obtendrá la ciudadanía en 1951.
En Brasil, Lina expande sus ideas influenciada por una cultura reciente y desbordante, diferente de la situación europea. Junto con Pietro, deciden vivir en Río de Janeiro, encantados con la naturaleza de la ciudad y sus construcciones modernistas, como el actual Edifício Gustavo Capanema, conocido como Ministério da Educação e Cultura, proyectado por Le Corbusier, Oscar Niemeyer, Lucio Costa, Roberto Burle Marx y un grupo de jóvenes arquitectos brasileños. Su marido recibe el encargo de un museo desde São Paulo, ciudad en que establecerán su residencia definitiva.
Inicia una colección de arte popular brasilero (su principal influencia) y su trabajo adquiere la dimensión del diálogo entre lo Moderno y lo Popular. Lina habla de un espacio para ser construido por el habitar de las personas, un espacio inacabado que seria completado por el uso popular y cotidiano.
Lina dejó una marca indeleble en su ciudad adoptiva, con su Museo del Arte Popular, el Museo de Arte Moderno de São Paulo y decenas de pequeños proyectos.
En 1957 comenzó la construcción del MASP (Museo de Arte de São Paulo), que sería recién finalizado en 1962 tras numerosas interrupciones y recibiría grandes elogios de la comunidad arquitectónica internacional.
Al final de la década de 1970 realizó una de sus obras mas paradigmáticas, el edificio SESC - Pompéia, que se tornó una fuerte referencia para a historia de la arquitectura en la segunda mitad del siglo XX.
Lina mantuvo una intensa vida cultural hasta el final de su vida, realizando el antiguo sueño de morir trabajando. Activa y con varios proyectos en curso, Lina falleció en 1992.
Clara Porset Dumas
Clara Porset Dumas, considerada una de las diseñadoras mexicanas más destacadas del siglo XX, nació en la Habana, Cuba, y fue pionera del diseño industrial en México. Destacada por su diseño de mobiliario, ella resaltaba la artesanía de la cultura mexicana en sus piezas, mezclándola con el estilo vanguardista de la época.
Siendo ésta la edición número 17 que celebra el CIDI (Centro de Investigaciones de Diseño Industrial), y con el objetivo de promover entre las profesionales y estudiantes de diseño industrial la excelencia en la realización de proyectos, el diseño de objetos y productos útiles y originales que permitan satisfacer las necesidades de los seres humanos, el Premio Clara Porset es un reconocimiento que otorga la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) desde 1988, a través de su Facultad de Arquitectura.
Premio creado en su honor
Premio Clara Porset
Apoyando la formación de las diseñadoras
industriales mexicanas desde 1988
Su objetivo es promover entre las estudiantes y profesionales de la licenciatura de diseño industrial, la excelencia en la realización de proyectos de diseño de objetos y productos útiles, originales y capaces de satisfacer necesidades del ser humano.
Clara Porset Dumás nació en la ciudad de la Habana, Cuba y fue pionera del diseño industrial en México, donde vivió a partir de 1940. Participó con Horacio Durán en el proyecto de fundación de la carrera de diseño industrial de la UNAM en 1969, donde permaneció como profesora hasta su muerte en 1981.
Clara Porset Dumás nació en la ciudad de la Habana, Cuba y fue pionera del diseño industrial en México, donde vivió a partir de 1940. Participó con Horacio Durán en el proyecto de fundación de la carrera de diseño industrial de la UNAM en 1969, donde permaneció como profesora hasta su muerte en 1981.
Horacio Durán
Horacio Durán Navarro fue, sin tener los estudios universitarios y los grados académicos correspondientes, un arquitecto, pintor y escenógrafo mexicano, catedrático de diseño industrial desde la década de 1960 en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México , fundador de los cursos de diseño en México (en 1959) en la Universidad Iberoamericana, miembro del Partido Comunista Mexicano, experto en la teoría del diseño y fundador del Centro de Investigaciones de Diseño Industrial y de la Escuela de Diseño Industrial y pionero en México tanto del desarrollo del diseño industrial, en el que integró las vanguardias internacionales a la carga cultural mexicana, como del diseño de envases e interiores y en el montaje de exposiciones. Los muebles que diseñó (asientos, muebles de fabricación artesanal, el primer sillón fabricado con casco de plástico reforzado con fibra de vidrio) tanto él como Clara Porset son una muestra de lo mejor del inicio del mueble contemporáneo mexicano. Propuso, también, el diseño de la carrocería de un nuevo coche deportivo .
Cuba
escuela florianopolis
La revolcuion industrial y el diseño industrial
La revolución industrial comenzó a gestarse en Inglaterra a mediados del siglo XVIII y con la introducción sistemática de la máquina en el proceso de producción, comienza la mecanización del trabajo, en reemplazo del trabajo manual. Este nuevo sistema de producción separó las tareas de concepción de las de construcción. En un principio los creadores fueron artistas y artesanos con inventiva que tuvieron éxito debido a las favorables circunstancias económicas del momento y al uso de la máquina de vapor y electricidad.
Durante la primera mitad del siglo XIX los objetos fabricados por el nuevo sistema de producción no se caracterizaban precisamente por la calidad del diseño, lo que provocó cuestionamientos y críticas que hicieron eclosión con motivo de la Gran Exposición Internacional de 1851 en Londres. Allí se expusieron los avances de la tecnología de la época y todo lo que la técnica permitía producir, desde locomotoras y telares mecánicos hasta objetos de la vida cotidiana. La calidad de los objetos expuestos, que imitaban el aspecto de los hechos a mano, en general era mala. La producción industrial sacrificaba calidad y terminación por cantidad.
En el contexto de la crítica a la producción industrial, Henry Cole, un especialista en artes decorativas inició un movimiento para conciliar arte con industria. Editó una revista mensual llamada Journal of Design and Manufacturers que fue la primera publicación sobre diseño aplicado a la industria. El cuestionamiento de la producción industrial fue seguido por otras personalidades como John Ruskin y William Morris, ambos, inspiradores del movimiento Arts and Crafts.
El movimiento Arts and Crafts, planteó un retorno a la producción artesanal y al espíritu medieval como alternativa válida para recuperar el equilibrio entre artes y oficios. El movimiento intentó resucitar la artesanía y el diseño en la Inglaterra victoriana. Se caracterizó por materializar la unidad de la forma, la función y la decoración, un equilibrio que había sido roto como consecuencia del nuevo sistema de fabricación industrial. Al principio rechazó el uso de la máquina, y las formas tendieron a ser rústicas, simples y elegantes, en general sin ornamentación. La forma no ocultaba su función y en cambio evidenciaba su construcción, dejando a la vista clavos y clavijas formando diseños en las superficies de los muebles. La segunda generación de diseñadores del movimiento fue más superadora y aceptó plenamente la ayuda de la máquina. Si bien el Arts and Craftslogró revivir la artesanía, no pudo hacer lo mismo con el diseño aplicado a la industria, aunque el movimiento fue un paso significativo hacia la abstracción de la forma y el funcionalismo en el diseño industrial.2
En la actualidad el diseño industrial se ha extendido por casi todo el mundo, con educación a nivel universitario. La mayoría de los países cuentan con organizaciones oficiales que promocionan el diseño. El proceso de diseñar un producto incluye además de los diseñadores industriales, ingenieros de producto, plásticos, metalurgia, eléctricos, electrónicos, sistemas, industriales y todos aquellos que sean requeridos acorde con los requisitos específicos del producto, así como de la empresa que ha de producir el artículo industrial.Se considera que la primera institución que impartió las bases del diseño industrial fue la Bauhaus (casa de construcción), una escuela alemana de arte, diseño y arquitectura fundada en 1919 bajo la dirección de Walter Gropius, la cual operó hasta 1933, siendo referente para cualquier otra escuela de Diseño.
Las actuales sociedades postmodernas se encuentran sumergidas en una inmensa cantidad de objetos consecuencia de la producción industrial seriada, desde sencillos empaques hasta automóviles. Estos objetos son estudiados y analizados por diseñadores industriales, quienes sintetizan la información proporcionada por estudios de mercado, de funciones, anatómicos, culturales, etcétera, para poder desarrollar y diseñar productos adecuados al mercado y sus expectativas.
Escuela de la Bauhaus
La Staatliche Bauhaus , o simplemente Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte yarquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas en manos del Partido Nazi.
Arquitectos, escultores, pintores, ... debemos regresar al trabajo manual ... Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a las clases sociales y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas
El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el pensamiento socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.
Walter Adolph Georg Gropius, fundador de la Bauhaus, nació en Berlín el 18 de mayo de 1883. Fue hijo y nieto de arquitectos, estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. Uno de los principales ideales de Gropius era representado mediante la siguiente frase: "La forma sigue a la función". Pues él buscaba la unión entre el uso y la estética.
Su trayectoria es una circunstancia que hay que considerar determinante para la orientación ideológica de Gropius, pues el joven Walter, procedente de la burguesía inteligente, trabajó en Múnich, de 1907 a 1910, con Peter Behrens, el primer arquitecto contratado por una gran empresa industrial como responsable artístico. A partir de entonces, Gropius siempre planteó el problema de la edificación en relación con el sistema industrial y con la producción en serie. Llegando incluso hasta el extremo de considerar el edificio como un producto directo de la industria y fundando así en 1943, junto con Konrad Waschsmann, una empresa de edificaciones prefabricadas.
La fábrica Fagus, de arquitectura revolucionaria, le dio cierta fama en 1911 –que confirmó en Bolonia en 1914– al construir para la exposición del Werkbund un palacio para oficinas de atrevida concepción estructural, estética y técnica. La Gran Guerra interrumpió su actividad de constructor, reclamado al frente. Pero durante aquellos años fue madurando en su ánimo la conciencia de que tenía un deber humano muy elevado que cumplir: la arquitectura había de desempeñar un papel en el problema social que la posguerra plantearía con toda gravedad; y este problema social había de fundirse con la estética.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal cual y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana:desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996.
Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del Nacional Socialismo, debido a que la ideología Bauhaus era vista como socialista internacionalista y judía. Los nazis cerraron la escuela.
Muchos de los integrantes de la misma, entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalan finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales.
La Bauhaus tuvo su sede en tres ciudades:
- 1919 – 1925: Weimar
- 1925 – 1932: Dessau
- 1932 – 1934: Berlín
Estuvo organizada por tres directores:
- 1919 – 1927: Walter Gropius
- 1927 – 1930: Hannes Meyer
- 1930 – 1933: Ludwig Mies van der Rohe
Definiciones
Diseño
- Del italiano disegno, la palabra diseño se refiere a un boceto, bosquejo o esquema que se realiza, ya sea mentalmente o en un soporte material, antes de concretar la producción de algo. El término también se emplea para referirse a la apariencia de ciertos productos en cuanto a sus líneas, forma y funcionalidades. http://definicion.de/diseno/
- el diseño1 se define como el proceso previo de configuración mental, "pre-figuración", en la búsqueda de una solución en cualquier campo. Utilizado habitualmente en el contexto de la industria, ingeniería, arquitectura, comunicación y otras disciplinas creativas. https://es.wikipedia.org/wiki/Dise%C3%B1o
- La palabra diseño es un término de uso extendido en nuestro idioma y que empleamos para referir diversas cuestiones.
Uno de los empleos más habituales de la palabra permite designar a aquella actividad que combina creatividad y técnica y que tiene por misión la creación de objetos
http://www.definicionabc.com/general/diseno.php - Definimos el diseño como un proceso o labor destinado a proyectar, coordinar, seleccionar y organizar un conjunto de elementos para producir y crear objetos visuales destinados a comunicar mensajes específicos a grupos determinados. http://www.fotonostra.com/grafico/definiciondiseno.htm
Diseño industrial
- El diseño industrial es la disciplina orientada a la creación y al desarrollo de los productos industriales (que pueden ser producidos en serie y a gran escala). Como toda actividad de diseño, se pone en juego la creatividad y la inventiva. http://definicion.de/diseno-industrial/#ixzz3kjFw309f
- El diseño Industrial es una actividad que tiene que ver con el diseño de productos seriados y/o industriales, que podemos diferenciar en dos tipos : bienes de consumo y bienes de capital. Es una de las múltiples herramientas que busca mejorar las cualidades de los productos industriales, poniendo énfasis en la forma y la función, con un enfoque prioritario hacia el usuario. https://es.wikipedia.org/wiki/Dise%C3%B1o_industrial
- El término diseño proviene del italiano. Es un préstamo a partir del verbo designare que, en esa lengua tiene el significado de dibujar esquemáticamente algo. Este vocablo proviene del verbo latino designo, designare, designavi, designatum que significa marcar, trazar, dibujar, representar, señalar derivado a su vez del sustantivo signum, signi (marca, señal, signo). http://quees.la/diseno-industrial/
- ciencia que juega a la par de la creatividad, ya que esta es la creación o modificación de un objeto para que sean utilizados por las personas que los adquieren, es la fusión de las ideas y los objetos para la obtención del proyecto final, con características novedosas y atractivas. http://www.subcutaneocreative.com/2013/03/concepto-diseno-industrial_29.html
- según el ICSID (International Council of Societies of Industrial Design), “El Diseño es una actividad creativa que cuyo objetivo es establecer las cualidades polifacéticas de objetos, de procesos, de servicios y de sus sistemas en ciclos vitales enteros. Por lo tanto, el diseño es el factor central de la humanización innovadora de tecnologías y el factor crucial del intercambio económico y cultural. https://coloquialmente.wordpress.com/2008/01/29/definicion-de-diseno-industrial/
- Actividad creativa y técnica encaminada a idear objetos útiles y estéticos que puedan llegar a producirse en serie:
http://www.wordreference.com/definicion/dise%C3%B1o
Definición propia :
El diseño industrial es una actividad en la que se ven implicados múltiples disciplinas como la ergonomia , estetica y la involucracion de conceptos preestablecidos indispensables:
- funcionalidad
- eficacia y eficiencia
- procesos
Constructivismo Ruso
El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Responde a la premisas de la construcción del sistema socialista. Se puede decir que el constructivismo se origina como respuesta al caos que se vivía en esos años de conflicto.
Se caracteriza por ser muy abstracto, recurriendo a figuras geométricas para sus obras. Su fundador es el
escultor y pintor ruso Vladimir Tatlin. La funcionalidad debía ser aplicada. En el constructivismo, por ser un movimiento en el que se destaca lo tridimensional predomina mucho la escultura, la arquitectura y el diseño industrial. Utilizan materiales modernos con líneas puras.
Otros artistas de la corriente son El Lissizky, Rodchenko y Stepanova.
Características principales.
- Su estilo se basa en líneas puras y formas geométricas.
- En su elaboración emplean materiales simples. •
- Los representantes no ven sus obras como arte, ni pretenden que éstas reciban ese título. •
- Le dan relevancia a la técnica con la que se va elaborar el producto y el proceso que éste
- lleva.
- La funcionalidad debía de ser aplicada porque se creía importante que el arte debía de ser algo
- para que la gente lo entendiera y con diferentes tipos de utilidades.
Vanguardias 1900-1920
Post - Impresionismo | 1900-1903 | Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Emile Bernard, Paul Cézanne | Francia. Simplificación del dibujo. Efectos de espacio en colores lisos. Antinaturalista. Contenido simbólico. |
Puntillismo Divisionismo | 1900-1906 | Georges Seurat, Paul Signac, Henri-Edmond Cross | Francia. Técnica que consiste a utilizar un punto de color para crear el maximo de intensidad en contrasto de colores. |
Nabis | 1900 | Edouard Vuillard, Maurice Denis, Chaïm Soutine, Félix Vallotton, Verkade, Ballin, Pierre Bonnard, Roussel | Significa 'profetas'. Paris, Pont-Aven. Influenciado por las lecciones de Gauguin, la afición a lo japonés y la escuela de Pont-Aven. |
Fauvismo | 1900-1906 | Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Henri Matisse, Maurice De Vlaminck | Francia. Utilización de colores puras. Simplificación de las formas y de la perspectiva. |
Arte Nuevo Modern Style Jugendstil | 1900-1914 | William Morris, Hector Guimard, Victor Horta, Hermann Obrist, Gustav Klimt, Mucha, Khnopff, Paul Ransont | Europa y Estados Unidos. Estilo decorativo en arquitectura, en artes gráficas y decorativas, en pintura y escultura. Caracterizado con líneas sinuosas, asimétricas, y basado en formas orgánicas. |
Arte Naïf | 1900-1937 | Le douanier Rousseau, le facteur Cheval, André Bouquet, Louis Vivin, Camille Bombois, André Bauchant | Francia. Artistas autodidactos. Expresión colorada de una sensibilidad popular. No siguen las tendencias de su época. |
Die Brücke | 1905-1913 | Fritz Bleyl, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Otto Mueller, Emil Nolde, Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff | Significa 'el puente'. Alemania. Es un grupo de artistas expresionitas. Caracterizado con un estilo violente y muy emocional. |
Expresionismo | 1905-1920 | Emil Nolde, Otto Mueller, Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Alexeï Von Jawlensky, Wassily Kandinsky, Gabriele Münter, Franz Marc, August Macke, Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Chaim Soutine, Emil Filla, Béla Czobel, Edward Munch | Particularmente en Alemania. Simplificaciones de las formas. Intensidad de la expresión gráfica. Vigor de la pincelada. Profundamente influencido por las artes primitivas. |
Cubismo | 1908-1920 | Pablo Picasso, Juan Gris, Alexandre Archipenko, Georges Braque, Albert Gleizes, Fernand Léger, Jacques Lipchitz, Jean Metzinger | Francia. Influenciado por las lecciones de Cézanne y del arte Negro-africano. Dos fases. Fase analítica: utilización de varios ángulos visuales para un mismo objeto. Disección en algunas facetas mútiples, paleta limitada de colores. Fase sintética: invención del colaje y del papel encolado. |
Futurismo | 1909-1915 | Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carra, Luigi Russolo, Gino Severini, Ardengo Soffici | Italia y Rusia. Al origen, movimiento literario que luego ha incluido la pintura, escultura, fotografía y arquitectura. Estética generada por el mito moderno de la máquina y de la velocidad. Los pintores son influencido por el Divisionismo y el Cubismo. |
Section d'Or Sección de Oro | 1911-1914 | Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Albert Gleizes, Frantisek Kupka, Fernand Léger, André Lhote, Jean Metzinger, Francis Picabia, Jacques Villon | Paris. Identificado con el Cubismo. Deseo de dar una manera de ver científicamente sus búzquedas pictóricas. |
Blaue Reiter | 1911-1914 | Heinrich Campendonk, Lyonel Feininger, Alexeï von Jawlensky, Vassily Kandinsky, Paul Klee, August Macke, Franz Marc, Gabriele Münter | Significa 'Caballero Azul'. Alemania. Aquí es el registro estético que encontra el fauvismo, la abstracción, el primitivismo y el expresionismo. |
Orfismo | 1912-1914 | Alice Bailly, Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, Frantisek Kupka, Francis Picabia, Jacques Villon | Paris. Raices en el Cubismo con una tendencia hacia una construcción abstracta de formas gracias al color. |
Ready-made | 1913-1921 | Marcel Duchamp | Nueva-York. Producto de la producción masiva que se vuelve objeto de arte cuando el artista le ha decretado. |
Vorticismo | 1914-1917 | David Bomberg, Alvin Langdon Coburn, Jacob Epstein, Henri Gaudier-Brzeska, Percy Wyndham Lewis, William Roberts, Edward Wadsworth | Ingleterra. Literatura, pintura, dibujo, grabado, escultura, fotografía. Doble influencia del Cubismo y del Futurismo. El arte encontra su fuente en el vortex de las emociones. |
Precisionismo | 1920-1930 | Charles Sheeler, Georgia O'Keeffe, Joseph Stella, Charles Demuth, Stuart Davis | Estados Unidos. Precisión de las imagenes. Pintura figurativa distintamente definida, con formas geométricas y planos llanos. |
Referentes al diseño
Art & Craft y el Art Noveau
A partir de estas nuevas reconsideraciones sobre el diseño, resultado de los nuevos planteamientos morales e ideológicos sobre un modo de vida sencillo y racional, surge el Movimiento Art & Craft (Artes y Oficios).
Las ideas de Pugin ejercieron una enorme influencia sobre William Morris y John Ruskin, iniciadores de este movimiento inspirado, por una parte, en una preocupación generacional por las teorías, la arquitectura y el diseño, y por otra, en la reacción ante las consecuencias de la máquina.
Tomaban como punto de referencia la época medieval, tanto en sus modelos de trabajo (gremios de artesanos, pues defendían el ideal del artesano-artista) como en los motivos que utilizaban para adornar sus diseños. Creían que el diseño debía fundarse en principios artesanales tales como la "fidelidad a la naturaleza" y la "adecuación al fin". Sus diseños se depuraron del excesivo recargo con el que se venía trabajando anteriormente, pero aún no se deslastraban totalmente de sus predecesores, pues siguieron siendo historicistas. De este movimiento que marcó gran influencia durante los siguientes años, surgieron grupos como La Comunidad del Siglo, cuya finalidad era rendir homenaje a todas las ramas del arte en el círculo de acción, ya no del comerciante al por menor, sino al artista. Las artes del diseño se elevaron al lado de la pintura y de la escultura, desarrollando una nueva estética que incorporaba rasgos del diseño japonés y renacentista. Sus diseños gráficos proporcionaron el eslabón del Movimiento de las Artes y los Oficios con la estilización floral del Art Noveau (Read, 1971).
El Art Noveau, según varios teóricos, fue el primer estilo creado como tal después de la Revolución Industrial (s. XIX), luego de un cese de creación de nuevos estilos. Este movimiento expresa ampliamente el cambio de siglo y la explosión de todas las formas del diseño. La arquitectura, el mobiliario y el diseño de productos; las modas y los gráficos, participaron en una revolución que llegó a expandirse por toda Europa y, posteriormente, a Estados Unidos. Representa el estilo de transición que se desvió del historicismo y los revivals para expresar el presente a través del uso de nuevos materiales proporcionados por su entorno:
Las ideas de progreso y las formas del arte del siglo XX dan testimonio de la importancia de esta transformación. La arquitectura moderna, el diseño industrial y gráfico, el surrealismo y el arte abstracto echan raíces en sus conceptos y teorías fundamentales. En lugar de decorar la estructura aplicando ornamentos a la superficie de un edificio u objeto, como se hacía en los estilos anteriores, la forma básica y la configuración del diseño del Art Noveau, estaba a menudo gobernado por el diseño del ornamento (Meggs, 1991, p.246).
Esto determina un principio nuevo y que se agregará a la concepción del diseño: la unificación de la decoración, la estructura y la función.
Este nuevo principio adherido a la idea que se gesta sobre el diseño, era el punto de vista de Henri Van de Velde, arquitecto del Art Noveau quien planteaba, entre otros elementos, que el ornamento no debía tener la función de decorar la forma sino estructurarla.
Desde este momento, se redimesiona la concepción ornamental y se comienzan a tomar en cuenta principios racionalistas, donde la forma del objeto debía responder a sus condiciones de uso y a la técnicas empleadas para su fabricación. En Alemania fue donde mejor se llegaron a desarrollar estos nuevos principios, en parte debido a su contexto, a través de la creación del grupo Deutcher Werkbund, el cual llegó a convertirse junto a William Morris y Van de Velde , en los fundamentos del movimiento moderno en arquitectura y artes aplicadas.
Todo cambio de siglo trae consigo repercusiones culturales y sociales fuertes. La revolución estaba apenas siendo digerida y los estragos del materialismo impuesto por la producción, estaban generando cambios en la percepción y sensibilidad que apenas se avizoraban; el movimiento simbolista francés (1880-1890) constituyó una influencia importante con su rechazo al realismo a favor de lo "metafísico y placentero" (Maldonado, 1977). Esta interacción condujo a una toma de actitudes filosóficas por parte de los artistas en una era escéptica, donde el racionalismo científico estaba en ascenso y las creencias religiosas, así como las normas sociales, estaban siendo atacadas.
influencia del Movimiento Moderno y las Vanguardias Artística
Las primeras décadas del siglo XX fueron una época de efervescencia y cambios en todos los aspectos de la condición humana. En Europa, contexto originario de las vanguardias artísticas, la monarquía fue reemplazada por la democracia, el socialismo y el comunismo soviético. Los avances científicos transformaron el comercio y la industria y con la llegada del automóvil, el aeroplano, el cinematógrafo y la radio, entre otros adelantos, se inicia un nuevo período en las comunicaciones humanas (Maldonado, 1977).
Las luchas con armas de "avanzadas tecnologías" y la explosión de la primera guerra mundial perturbaron enormemente las tradiciones y las instituciones; los puntos de vistas tradicionales acerca del mundo fueron desbaratados y trajeron como consecuencia, en las artes visuales, una serie de experimentaciones y revoluciones creativas que cuestionaban casi todos los elementos de la vida cotidiana:
La representación de las apariencias externas no satisfacía las necesidades y la visión de la naciente vanguardia europea. Ideas elementales del color y de la forma, la protesta social, las concepciones de la teoría psicoanalítica y de los estados emocionales más íntimos, se apoderaron de muchos artistas. Mientras algunos de estos movimientos tuvieron escasa influencia en el diseño gráfico, por ejemplo, el fauvismo y el expresionismo alemán, otros como el cubismo, el futurismo, el dadá, el surrealismo, la escuela Di Stilj, el suprematismo y el constructivismo tuvieron un impacto directo sobre el lenguaje gráfico de la forma y la comunicación visual de este siglo (Meggs, 1991, p. 301)
Ahora bien, con este cambio de siglo y el paulatino cambio de percepciones, la concepción del diseño va ampliándose y definiéndose a la vez. El movimiento moderno, perfila y aplica conscientemente por primera vez el concepto de diseño, clave para solventar la vieja contradicción arte-industria y base para la cultura de los objetos de uso. Por supuesto, el deslinde envuelve no sólo problemas terminológicos. El movimiento moderno define el diseño con una plataforma conceptual que es la de su momento: hay que crear desde dentro de la tecnología, hay que fabricar según sus potencias y requerimientos, no en contra de ellos. Esta es la nueva concepción: hay que idear formas originales de la industria integradora de belleza, técnica, funcionalidad y economía…y todo esto es precisamente, diseñar.
En torno a estas nuevas concepciones, surgen también nuevas relaciones con elementos ya considerados anteriormente, como el ornamento y el término moral y ahora racional del "buen diseño".
El "Good Design"
El Movimiento moderno ha ensayado diversas formas, tanto en la teoría como en la práctica, de aplicar los principios integradores de belleza, técnica, funcionalidad y economía. Sin embargo, a raíz de un funcionalismo imperante, legado del movimiento arquitectónico de personalidades como Loos y Le Corbusier, y apoyados en la supresión del ornamento, entre otros elementos, se comienza a establecer una idea generalizada que considera la igualdad de determinados postulados, soluciones de diseño y el modo correcto de diseñar, estableciendo una especie de reglamento dogmático, muy propio de los movimientos de vanguardia y del pensamiento radical de la época (Pevsner, 1983).
Los críticos y escritos teóricos tienden en este momento a considerar el "good design", el "diseño racional", la "güte form", el "machina art" etc., como los seguidores de los códigos específicos del movimiento moderno. De este modo, se piensa que sólo se siguen los fundamentos del diseño cuando se proyecta según ciertas pautas estilísticas y ciertos rigorismos metodológicos.
Las nuevas formas creadas por la industria, no podían ser formas decoradas, como se vio anteriormente. Imponían una especie de rigorismo geométrico que según varios teóricos, era la nueva forma de "ornamentos estructuralizados" u ornamentos construidos" provenientes de la estructura de la forma (Collins, 1970, p. 127 y 279).
Este pensamiento imperante influyó en las Bellas Artes y en la enseñanza artística, dando como resultado la creación de grupos basados en la unificación de disciplinas como la arquitectura y la pintura, y fundamentados en la utilización de un lenguaje sencillo emparentado con las ideas de las "nuevas " formas.
La Bauhaus y De Stijl
La Bauhaus se sitúa como uno de los herederos del movimiento anterior y primordialmente del grupo Werkbund (1907), profundamente interesado en elevar el nivel del diseño y del público. El Werkbund, a diferencia del movimiento de las Artes y los Oficios, propugnaba que debían reconocerse tanto la artesanía como la producción mecánica y funcionó como un grupo de artistas, arquitectos, educadores y críticos que pretendía forjar la unidad entre artistas y artesanos con la industria, para elevar así las cualidades estéticas de la producción en masa.
El 12 de abril de 1919, luego de que Van de Velde renunciara a la dirección de la Escuela de Artes y Oficios de Weimar, Walter Gropius decide fusionarla a una escuela de Bellas Artes para fundar la Bauhaus (Das Staatliches Bauhaus).
El Manifiesto de la Bauhaus, publicado en los periódicos alemanes, establecía como filosofía la búsqueda de una nueva unidad entre el arte y la artesanía reconociendo, las raíces comunes tanto en las Bellas Artes como en las artes aplicadas. Este manifiesto se adhirió a la generación de artistas de la Bauhaus con el fin de resolver los problemas de diseño visual creados por el industrialismo:
…
Hoy las artes permanecían aisladas… Los arquitectos, los pintores y los escultores deben estudiar de nuevo el carácter compositivo del edificio como una entidad. El artista es un artesano enaltecido…Pero el perfeccionamiento de su oficio es vital para cualquier artista… (Droste, 1991, p. 17)
Como Gropius pensaba que sólo las ideas más brillantes eran lo suficientemente buenas como para justificar su multiplicación por medio de la industria, se esperaba que un diseñador instruido artísticamente pudiera "hacer vivir su espíritu dentro del producto inerte de la máquina" (Droste, 1991, p.21).
La Bauhaus buscaba una unidad entre artistas y artesanos, organizados según la línea Baühutte de la época medieval: maestro, oficial y aprendiz. Sin embargo la llegada de Paul Klee y Wassily Kandinsky permitió la incorporación de ideas avanzadas al diseño a través de la forma, el color, y el espacio. El objetivo primordial de esta escuela era liberar las actitudes creativas de cada estudiante, desarrollar una comprensión de la naturaleza física de los materiales y enseñar los principios fundamentales del diseño.
Sin embargo, para 1919, Theo van Doesburg, artista holandés y fundador junto a Piet Mondrian del movimiento De Stilj, , continuando con la línea de la Bauhaus, en cuanto a la unidad del arte, el diseño y las tecnologías, causó gran impacto en la comunidad influenciándola primordialmente en las áreas de diseño de mobiliario y la tipografía.
El ángulo recto y los tres colores básicos, complementados con el negro, blanco y gris, constituían los elementos expresivos fundamentales. Dado que los medios para la configuración artística quedaban así fijados, era posible romper con el "predominio del individuo" y encontrar soluciones colectivas (Droste, 1991).
Las ideas de la Bauhaus coinciden en parte con las de Theo van Doesburg, pero la crítica de éste a la Bauhaus y las claras formas constructivas de los productos De Stilj, influyeron y aceleraron el viraje de la Bauhaus hacia un nuevo estilo, donde se tenía ahora como lema: Arte y técnica, una nueva unidad.
La Influencia de las Vanguardias Artísticas
En el campo del arte, sin embargo, este racionalismo imperante y todas las condiciones sociales y culturales que se estaban dando para el momento, trajeron como consecuencia el cuestionamiento de las artes visuales en torno a los sistemas de organización y el rol del artista en la sociedad. Algunos artistas comenzaron a volcarse hacia la protesta social, las teorías freudianas y las profundas emociones personales trayendo como consecuencia que movimientos como el Cubismo, Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo, Suprematismo y el Constructivismo impactaran sobre el lenguaje gráfico y las comunicaciones visuales, pues la evolución del diseño, sobre todo a nivel gráfico, está ligado estrechamente, a partir de este momento, a la pintura, la arquitectura, la poesía y especialmente la literatura, herramienta principal de los movimientos a través de los manifiestos.
El Futurismo, movimiento surgido a principios de siglo XX, toma como referencia el contexto que venimos describiendo y propone una dinámica contra el estatismo, a su manera de ver, existente tanto en el pasado como el presente (Meggs, 1991).
Se habla de una renovación de la sensibilidad humana y específicamente a través de la representación de la velocidad, la transformación, la multiplicación, la persistencia del plano, la imagen y la simultaneidad, vinculada directamente con los descubrimientos técnicos y científicos del momento: el automóvil, el tren, la motocicleta, el avión etc.
A este respecto El manifiesto de la Arquitectura Futurista, escrito por Antonio Sant´Elía consideraba que el diseño, única demanda de la vida moderna, debía basarse en la tecnología y la ciencia, exaltando el uso de las líneas diagonales y las elípticas para lograr una mayor carga emocional. Sus ideas influyeron especialmente al Art Decó y movimientos como De Stilj.
El mayor aporte del Futurismo fue en el campo de la gráfica que hasta el momento había tenido una vigorosa estructura horizontal y vertical. Liberados de esta tradición, los integrantes del movimiento, animaron sus páginas con una composición dinámica, no lineal, y emplearon la tipografía como forma visual. Este movimiento estuvo influenciado por el Cubismo y es el que aún hoy ofrece una amplia inspiración para las artes gráficas, la diagramación y el campo del afiche.
Continuando con la idea de la geometricidad, el Cubismo, sustituía la representación de las apariencias por formas inventadas en diversos planos existentes simultáneamente y vistos desde múltiples perspectivas. Ejerció enorme influencia en las generaciones siguientes, y en personalidades como Fernad Léger quien, en obras como La Ciudad, se aproxima a una experiencia visual, inspiración principal del arte del cartel de los años veinte: "Las plastas planas de color, los motivos urbanos y la precisión angulosa de las formas mecánicas contribuyeron a definir la sensibilidad del diseño moderno después de la primera guerra mundial" (Meggs, 1991, p. 303).
El movimiento Dadá, enriqueciendo el lenguaje visual del futurismo, se deshace definitivamente de los preceptos tradicionales, unificando ideas del Cubismo y el Futurismo, pero reinventando los límites de la capacidad de la imagen. Al contrario de los movimientos anteriores, se basaba en la construcción deliberada y al azar, la cual permitió a Marcel Duchamp, principal exponente del Dadaísmo, crear una escultura "ya hecha" (ready made), como la Rueda de bicicleta, y mostrar como arte objetos convencionales. Este hecho y los sucesivos, ejercieron enorme influencia en las tendencias artísticas conceptuales de mediados de siglo XX y crearon la base para las sucesivas experimentaciones, pues a partir de este momento la idea se planteó como una forma de arte y dio pie a experimentaciones posteriores del arte conceptual.
Afirmaban haber creado el fotomontaje, la técnica de manipular imágenes fotográficas fusionadas para elaborar yuxtaposiciones estremecedoras y asociaciones al azar. Esta técnica ejerció una gran influencia en el diseño de ese momento y aún en la actualidad se ha llegado a explotar en sus más amplias posibilidades. Los complejos diseños combinaban elementos del absurdo y del azar, recurso que realmente rompió con lo que se venía haciendo en la plástica y en la concepción del objeto, redimensionada a partir de este momento.
El Surrealismo, con raíces en el Dadaísmo y en el grupo Littérature (André Bretón, Tristán Tzara, Paul Eluard y Luis Aragón, entre otros), irrumpió en la escena de Paris buscando "lo más real que el mundo real tras lo real" (Bretón, 1969, p.23). Fue por medio de los pintores como se llegó a afectar a la comunicación visual, a pesar de que a menudo se creaban imágenes tan personales que la comunicación se volvía casi imposible. Marx Ernst, Rene Magritte, Salvador Dalí, Joan Miró, Hans Arp, fueron los artistas más representativos, pioneros de nuevas técnicas como la composición abierta, incorporada al diseño sobre todo a partir de los 50 (García, 1987).
Durante la turbulencia de la primera guerra mundial, Rusia tuvo un florecimiento creativo. El arte ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico, la tipografía del siglo XX y el diseño industrial. Kasimir Malevich (1878-1935) creó un estilo pictórico-plástico de formas básicas y de color puro al que llamó Suprematismo y que junto al Constructivismo, movimiento menos espiritual y cuestionador de la función del artista dentro de la sociedad, conformaron dos fuertes corrientes en el campo tanto del arte como del diseño internacional.
Guiados por Vladimir Tlatin (1885-1953) y por Alexander Rodchenko (1891-1956), en el año de 1921, 25 artistas renunciaron al "arte por el arte", para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista. Estos artistas hicieron un llamado a los demás artistas para que dejaran de producir cosas inútiles y se volviera hacia el cartel y el diseño de objetos que resolvieran las necesidades del momento. (Satue, 1989).
Estos movimientos de vanguardia, originados en Europa, formaron la cultura visual e intelectual para el movimiento del diseño, desarrollado en ese contexto. Se establece una línea de diseño vinculada a otros ámbitos como la imagen, la arquitectura, y el movimiento cultural, fuertemente influenciado por lo artístico.
La polémica entre Arte y Diseño
La polémica fue el marco en la cual se desarrolló la idea y la conciencia del diseño moderno. Como hemos podido observar a lo largo del origen del concepto y de la disciplina, el diseño siempre ha estado ligado a un origen contradictorio, producto no sólo de su contexto, enmarcado en la revolución industrial, sino también de las necesidades culturales que redimensionaron las labores de los artistas, los arquitectos y los artesanos.
El origen de la disciplina se nos muestra heterogéneo cuando se pretende historiar y comprender a través de sus procesos, porque indiscutiblemente se encuentra ligado a movimientos paralelos en la arquitectura, el arte y la unión de ambos, como aquellos definitorios del Art Noveau, el Art & Craft, El Werkbund, la Bauhaus, De Stilj, y, posteriormente, las subsecuentes discusiones en torno al alcance del diseño, sus vinculaciones y desvinculaciones con otras disciplinas.
El diseño, desvinculado del marco histórico, presenta en la actualidad una diatriba acerca de si es un arte o un oficio, pues existen algunos diseñadores que transitan en el campo del arte con facilidad y muchos otros que no lo hacen. Hoy en día, pareciera estar bien separado el hecho de que el fin último del arte y del diseño, así como su metodología y consideraciones, son muy diferentes, aun cuando veamos como artísticos algunos diseños.
Los artistas del Art Noveau, primer estilo creado por la industria, lograron unificar perfectamente lo artístico junto al diseño. Personalidades como el arquitecto Inglés Makmurdo y artistas como Beardsley, Tolouse Lautrec, Gauguin, Klimt, Khnopff, permitieron ampliar la visión del arte hacia el diseño, al cual las vanguardias terminaron de desarrollar.
Con el advenimiento del siglo XX, Las vanguardias artísticas no sólo permitieron una apertura al nivel de representación de la realidad y nuevas concepciones estéticas, sino que permitieron una real integración del arte y el diseño con movimientos como la Bauhaus, De Stilj, La Escuela de Diseño de Chicago, La Escuela de Nueva York y la Escuela superior de Diseño de ULM, y con el influjo de estilos provenientes directamente del arte o la arquitectura como el Minimal, el Arte Conceptual y el Pop Art, los cuales tradujeron en estilo para el diseño a partir de los 70. Es importante lo planteado por el Pop Art, al inspirarse en imágenes publicitarias y al ser ovacionado por un público de masas. Su finalidad parecía describir todo lo que hasta entonces había parecido indigno de atención y no propio del arte: La publicidad, las ilustraciones de las revistas, los muebles en serie, los vestidos, los comics etc., desarrollados por artistas como Robert Rauschemberg, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein y Andy Warhol entre otros, quienes tomaron las imágenes directamente de la cultura de masas (Walker, 1975).
En una búsqueda de nuevas formas e imágenes, el mundo de las décadas posteriores a la segunda guerra mundial observó el desarrollo de la imagen conceptual llevada a la línea del diseño industrial y visual. En la segunda mitad del siglo XX, el fenómeno de la totalidad de las artes visuales quedaba a disposición del diseñador, como una biblioteca de formas e imágenes realizables; en especial, las posibilidades que inspiraron los movimientos artísticos de este siglo, como la configuración espacial del Cubismo, las yuxtaposiciones, las dislocaciones y los cambios de escalas del Surrealismo, así como la renovación de imágenes masivas publicitarias del arte popular.
A medida que los artistas gráficos y diseñadores en general tuvieron mayores oportunidades de manifestar su propio estilo, crearon mayor cantidad de imágenes personales y generaron técnicas y estilos propios. Las fronteras tradicionales entre las Bellas Artes y la comunicación visual de carácter público, se hacían más confusas y la tendencia a imágenes conceptuales llegó a ser significativa en Polonia, Estados Unidos, Alemania y Cuba para luego implantarse como una tendencia significativa, surgida a mediados del siglo XX (Meggs, 1991).
El diseño, tomando en cuenta las anteriores referencias, es fruto del aporte del arte, de las consideraciones estéticas de su época y de la capacidad de crear formas, imágenes, conceptos y objetos con finalidades específicas. A pesar de que el arte responda a procesos aparentemente diferentes, las herramientas básicas de trabajo coinciden: articulan sus imágenes con los mismos medios (color, forma, materia, concepto, símbolo etc.) y los creadores deben hacerlo con el máximo de imaginación y creatividad, aunque el fin último de ambos sea diferente.
En este sentido tanto el diseño visual, ámbito donde se observa mayor influjo artístico, como el diseño industrial, producto de "una verdadera rareza de artistas que perdían su tiempo" (Pérez, 2001, p.11) inventando nuevas formas para botellas, tenedores, sofás, etc., dan a entender que poco a poco el arte se fue implicando en la fabricación de los objetos de uso cotidiano, para dar origen a la creación de una nueva perspectiva "diseñística"* de lo cotidiano, resultado de una cultura de productos iniciada a partir de la reproductividad en masa.
Los avances de la lingüística y de la semiótica han permitido dotar al diseño de contenidos metafóricos propios de la comunicación humana, aportando nuevos niveles de lectura:
Ya no se trata solamente de que un diseño funcione, que los materiales estén adecuadamente utilizados y optimizados los procesos constructivos. Ahora se habla de un compromiso: representar aspiraciones y deseos que relacionados con el gusto se traduce en confort y mejor calidad de vida. En algunos casos se traducen en ideologías o en otros sólo volúmenes de venta (Salcedo, 2002, p. 2)
A través de la historia, diseñadores y artistas intercambiaron sus roles e hicieron difíciles de reconocer las fronteras entre un área y otra: Bruno Munari, Jean Michel Folón, Milton Glaser, Félix Beltrán, Walter Ballmer, Mariscal, Gerd Leufert, Santiago Pol, Nedo, Cruz Diez y Soto, son una muestra de ello y las galerías de arte y museos han tenido que ampliar sus paradigmas para dar cabida a los impresos digitales, los diseños gráficos, industriales, de moda y, en general, considerar el diseño como una nueva disciplina museable y de contemplación, como expresión legítima para expandir las concepciones estéticas de nuestra época.
Vanguardias 1920-1950
POP ART
El op- art es una corriente artística difundida en EEUU pero precedida en Europa por numerosas experiencias sobre la percepción retiniana de imágenes fijas o en movimiento.
En 1965, el Museo de Arte Moderno de Nueva York albergó una exposición de artistas de todo el mundo consolidando el estilo.
Algunas de sus características son:
-Es una corriente artística abstracta.
-Engaña al ojo humano mediante ilusiones ópticas.
-Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro y preciso.
-Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento (virtual) mediante efectos de ilusión óptica.
-Se obtiene una modificación de la percepción visual del espectador mediante el empleo de determinadas líneas y colores en relación mutua.
-En general, se consiguen efectos ópticos por medio del blanco y negro, mediante círculos concéntricos, en espiral, etc.
-En el Op Art existe una ausencia total de movimiento real.
-Se usa la repetición de las formas simples.
-Los colores crean efectos vibrantes.
-Gran efecto de profundidad (espacialidad).
-Confusión entre fondo y primer plano (ambigüedad).
-Hábil uso de las luces y las sombras.
-El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotraen.
Un artista destacado fué el húngaro Victor Vasarely.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO
DISEÑO AMERICANO EN LOS 50
Después del final de la segunda guerra mundial y de la reconstrucción de la destruida y arrasada Europa tras la contienda internacional, Estados unidos se establece como un nuevo centro artístico y cultural donde muchos artistas y diseñadores encuentran su refugio y hogar (muchos diseñadores europeos abandonaron su patria por su religión o por sus creencias políticas. Su creatividad se vio cortada y por desgracia, algunos como Friedrich Adler, fueron torturados y asesinados en campos de concentración). Esto supuso la mezcla perfecta de la cual surgieron los más importantes productos dentro del diseño del mobiliario del siglo XX al otro lado del charco.
En cuanto al interiorismo en los años 50, se produce un cambio fundamental que repercutirá en toda la década y que tendrá un reflejo en el conjunto de la sociedad. Tenemos que situar a Estados Unidos como el lugar geográfico donde aparecen todos estos avances, un país que tras recuperarse por completo de la crisis del 29, crea lo que hoy conocemos como sociedad de consumo.
Tanto el aumento y modernización de los medios de como el boom e impacto de la publicidad, hace que los 50 americanos provoquen un deseo de cambio en la sociedad, un nuevo estilo de hogar donde establecer la familia ideal potenciada y basada en los cánones establecidos por la publicidad. Todo esto genera el ansia y la necesidad de adquirir nuevos productos, nuevos looks, nuevos muebles… en definitiva, nuevos productos que se acoplen a este nuevo estilo de vida.
Si juntamos el aumento de diseñadores y artistas en el territorio estadounidense y la progresiva demanda de productos con una estética actual y nueva, tenemos como resultado un binomio perfecto para los grandes avances que tuvieron lugar a lo largo de esa década.
El mobiliario de la época sufre un cambio radical a la hora de realizar su diseño. Son eliminados toda clase de ornamento o elemento decorativo, se deja de usar materiales que puedan recordar aun pasado más o menos próximo y se incorpora la ergonomía como necesidad en los diseños de mediados de siglo.
Actualmente los años 50 han vuelto a ponerse de moda ya sea en la moda, en diseño gráfico o en el mobiliario y arquitectura. Series como Mad Men han vuelto a propulsar un prototipo de diseño que ha enganchado a miles de personas.
Arte posmoderno
El arte posmoderno,
por oposición al denominado arte moderno,
es el arte propio de la posmodernidad,
teoría socio-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico
que habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y
económica propia de la Edad Contemporánea, marcada en lo cultural por la
Ilustración, en lo político por la Revolución francesa y en lo económico por
la Revolución industrial.
Minimalismo
Yves Klein, IKB
191, 1962, pinturamonocromática. Klein fue un pionero en el desarrollo del arte
minimalista.
El término minimalista,
en su ámbito más general, se refiere a cualquier cosa que haya sido reducida a
lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es una traducción transliteral
del inglés minimalist, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en
inglés). Es la tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a los
grupos o individuos que practican el ascetismo y
que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo, es también el
significado a simplificar todo a lo mínimo.
Años 80
Neoexpresionismo
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania,
desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados
Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa,
este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte
conceptual que
predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por
su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el
uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente
dibujadas de manera muy burda.
El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz,
además de otros artistas con estilo altamente emotivo como James Ensor y Edvard Munch;
igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico: Durero, Bruegel, El Bosco, Rembrandt.
De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no
rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como
maestros grandes artistas de los setenta como, Joseph Beuys, Nam June Paik o Wolf Vostell.
Transvanguardia
La Transvanguardia (en italiano, Transavanguardia, «más allá
de la vanguardia»)
es un movimiento artístico italiano de la postmodernidad.
El término fue acuñado en 1979 por el crítico italiano Achille Bonito Oliva, para
una serie de pintores italianos.
Nació en los años de los ochenta,
en contraposición al arte povera,
movimiento anterior de moda hasta entonces en Italia. La transvanguardia
teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura después de
algunos años de dominación del arte conceptual.
El movimiento tuvo como protagonistas a un sexteto de artistas:Sandro Chia, Horacio de Sosa Cordero, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De
Maria y Mimmo
Paladino. Aparte puede mencionarse al artista griego Jannis
Kounellis.
Los transvanguardistas se caracterizan por un eclecticismo subjetivo, en el que los artistas
vuelven a un lenguaje pictórico clásico. Recurren a temas mitológicosclásicos
como el minotauro o el cíclope y a temas heroicos con gran
expresividad cromática. Otra de sus características es el
"nomadismo", el artista es libre para transitar en cualquier época o
estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores.
Realizan obras generalmente figurativas, con referenciasiconográficas,
con gusto por lo fragmentario (fragmentos de obras del pasado).
Simulacionismo:
Es una variante del neoexpresionismo surgida en Estados Unidos en los años 80. Surge en contra del neoexpresionismo, toma algunos principios del apropiacionismo, y crea una teoría basada en el pensamiento posestructuralista francés.
Se fundamenta en una reinterpretación de artistas y estilos anteriores en el tiempo, que elaboran según criterios subjetivos, dando importancia tan sólo a la imagen, al arte como objeto, sin valor conceptual.
Esta tendencia tuvo dos vertientes una eran los artistas neo-objetuales que se basaron en la producción de objetos tridimensionales, y la otra eran los neo-abstractos o neo-ge los cuales basan su producción en pinturas con temas geométricos principalmente.
Sus principales exponentes son David Salle y Sherrie Levine.
Neo-Geo:
El Neo-Geo es un movimiento artístico que surge en los años ochenta. Es la abreviatura de Neo-Geométrico que preconizaba la utilización de objetos domésticos como materiales esculturales. Pintan generalmente obras de gran formato compuestas de motivos o signos que se despegan de un fondo plano y coloreado.
Algunos de los autores más destacados de esta tendencia son Jeff Koons, Meyer Vaisman, Peter Halley, Peter Schuyff, Philip Taaffe...
Neo-Kitsch:
Este movimiento surge en los años 80, Kitsch define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto.. Son obras llamativas que mezclan alegremente los estilos y exaltan con jubilación el mal gusto bajo todas sus formas.
Autores destacados de esta tendencia son por ejemplo Kenny Scharf, o Rhonda Zwillinger.
Es una variante del neoexpresionismo surgida en Estados Unidos en los años 80. Surge en contra del neoexpresionismo, toma algunos principios del apropiacionismo, y crea una teoría basada en el pensamiento posestructuralista francés.
Se fundamenta en una reinterpretación de artistas y estilos anteriores en el tiempo, que elaboran según criterios subjetivos, dando importancia tan sólo a la imagen, al arte como objeto, sin valor conceptual.
Esta tendencia tuvo dos vertientes una eran los artistas neo-objetuales que se basaron en la producción de objetos tridimensionales, y la otra eran los neo-abstractos o neo-ge los cuales basan su producción en pinturas con temas geométricos principalmente.
Sus principales exponentes son David Salle y Sherrie Levine.
Neo-Geo:
El Neo-Geo es un movimiento artístico que surge en los años ochenta. Es la abreviatura de Neo-Geométrico que preconizaba la utilización de objetos domésticos como materiales esculturales. Pintan generalmente obras de gran formato compuestas de motivos o signos que se despegan de un fondo plano y coloreado.
Algunos de los autores más destacados de esta tendencia son Jeff Koons, Meyer Vaisman, Peter Halley, Peter Schuyff, Philip Taaffe...
Neo-Kitsch:
Este movimiento surge en los años 80, Kitsch define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto.. Son obras llamativas que mezclan alegremente los estilos y exaltan con jubilación el mal gusto bajo todas sus formas.
Autores destacados de esta tendencia son por ejemplo Kenny Scharf, o Rhonda Zwillinger.
Tomado de :
https://makeitworkvalencia.wordpress.com/2013/05/22/diseno-americano-en-los-50/
https://www.google.com.co/search?
q=ricardo+blanco&oq=ricardo+blanco&aqs=chrome.0.69i59j69i60j69i61.3034j0j7&sourceid=chrome&es_sm=122&ie=UTF-8#q=argentina
https://es.wikipedia.org/wiki/Hugo_Kogan
http://www.fernandomayer.cl/
https://es.wikipedia.org/wiki/Lina_Bo_Bardi
http://vanguardias-sigloxx.blogspot.com.co/
http://www.claraporset.org/menu_sourceo/Folletocp.pdf
https://es.wikipedia.org/wiki/Horacio_Dur%C3%A1n_(dise%C3%B1ador_industrial)
https://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_la_Bauhaus
http://printcolombino.4mg.com/diseoindustrialcolombiaprogramas.htm
http://industrialdesignincolombia.blogspot.com/)
http://parlaliberte.blogspot.com/2011/06/jaime-gutierrez-lega-padre-del-diseno.html
http://www.utadeo.edu.co/es/link/diseno-industrial/44/
http://estudiantesacarigua.blogspot.com.co/2010/05/movimientos-artisticos-de-1900-1945.html
http://www.monografias.com/trabajos16/arte-y-diseno/arte-y-diseno.shtml#ixzz3o0Qf0ikg
http://teoriahd.blogspot.com.co/2012/03/constructivismo-ruso.html
http://estudiantesacarigua.blogspot.com.co/2010/05/movimientos-artisticos-de-1900-1945.html
http://www.monografias.com/trabajos16/arte-y-diseno/arte-y-diseno.shtml#ixzz3o0Qf0ikg
http://teoriahd.blogspot.com.co/2012/03/constructivismo-ruso.html
